Lush Life

Popkontext.de - Webseite!

2009-06-08T01:59:00.010+02:00

Seit zwei Wochen ist meine neue Webseite Popkontext.de online. Da werde ich ab sofort alle längeren Texte und Bildstrecken einstellen.

In absehbarer Zeit werde ich der Seite auch ein schickeres Kleidchen verpassen und ein vernünftiges CMS installieren. Bis dahin noch etwas im Old School-Design als Trabbi unter den Déesen.

Als erste Musikfoto-Seite findet ihr dort Bilder vom Konzert von Peter Broderick am 4.6. im Schokoladen Berlin.

Mittekill CD Release 23.5.09 Boote auf der Spree Berlin

2009-05-24T19:51:00.008+02:00

Leider nur die Knipskamera dabei gehabt, und Leute anblitzen ist fies...

Marissa Nadler am 22.5.09 im Admiralspalast Berlin

2009-05-24T19:35:00.006+02:00

Ein Interview mit Marissa Nadler findet ihr auf Popkontext.de.

Hugh Masekela 16. Mai 2009 Haus der Kulturen der Welt Berlin

2009-05-17T15:15:00.012+02:00

Kam zu spät und sah nur, dass sich die Massen hektisch um die Kasse drängten, um noch die letzten Karten zu ergattern. Als ich dann hörte, dass das Pressekontingent grad aufgelöst worden war dachte ich o.k., dann wohl doch zu Peter Broderick in den Schokoladen. Dann bekam ich doch noch eine Karte zugesteckt von einer netten Dame, die ganz angetan war von meinem Artikel über Masekela.

Musikalisch war es natürlich gut. Aber ich war nicht überwältigt, weil ich eher auf seinen Frühsiebziger-Sound stehe als auf den aktuellen (ersterer gut repräsentiert auf der CD „Still Grazing“, die seine gleichnamige Autobiografie begleitet). Nur ein Song, kurz vor Schluss (oder war es die Zugabe) hat mich umgehauen – da ging es um Afrika (auch im Titel). Natürlich hat er „Stimela (Coal Train)“ und „Grazing in the Grass“ gespielt, sein „Satisfaction“.

Was mich beeindruckt hat war vor allem, mit welcher Hingabe und Energie er gespielt hat. Sowieso, weil er ein perfekter Entertainer ist. Aber speziell, weil er sich offensichtlich darüber gefreut hat, dass ihm soviel Ehre erwiesen wurde in den letzten drei Tagen. Er redete viel mit dem Publikum, versuchte es (erfolgreich) zum Mitmachen zu bewegen. Meistens war er witzig, aber nahm den Anlass auch wahr, um an Menschen in der Welt zu erinnern, die auf der Flucht vor politischer Verfolgung sind.

Beindruckend auch die Mimik des Mannes, von herzlichem Lachen über Ironie, Ernsthaftigkeit und Wut bis zu tiefstem Schmerz. Jeden Song hat er nicht nur mit dem Gesicht, sondern mit dem ganzen Körper untermalt - zu "Stimela" zog er eine imaginäre Klappe an der Dampflock, bei Fela Kutis "Lady" machte er die besungene afrikanische Dame nach. Nahe am Kitsch manchmal (wie seine Musik ja auch in Momenten), aber zu perfekt um blöd zu wirken. Zwischendurch tanzte er immer wieder mit katzenhaften Bewegungen, die man einem kleinen, dicken alten Mann erstmal gar nicht zutrauen mag. (Leider die meisten Fotos nur mit der Knipskamera aus einer ungünstigen Position.)

Unter den Gästen waren sicher diverse Prominente, aber ich bin ja nicht so gut beim Promi-Spotting, weil es mich nicht so wirklich interessiert. Aber als Joe Jackson vor mir stand, habe ich ihn doch erkannt.

Joy Denalane, Jazz Jamaica ft. Hugh Masekela am 14.5.2009 im Haus der Kulturen der Welt Berlin

2009-05-16T13:21:00.013+02:00

Am Donnerstag bin ich schön in der Abendsonne zum Haus der Kulturen der Welt, von den Berlinern auch Klappstulle genannt, geradelt. Keine halbe Stunde, über den Alex, durchs Brandenburger Tor, den Reichstag links liegen gelassen.

Zum Auftakt der neuen Reihe "Lebenslinien" las Hugh Masekela erstmal aus seiner Autobiografie. Einfach den Anfang, so lange die Zeit reichte. Fand ich extrem unglücklich - man hätte einen Moderator hinsetzen sollen, der mit ihm redet. Masekela kann toll erzählen.

Dann Konzert mit Joy Delanane, der deutschen Neo-Soul-Lady aus Berlin mit südafrikanischen Vorfahren väterlicherseits. Ihr Vater sei ein Schulkamerad von Masekela gewesen. Ich mochte sie noch nie; und fand auch live, dass sie eine aufgesetzte, egozentrische Zicke ist. Aber vielleicht tue ich ihr unrecht und es liegt nur am unterschiedlichen Milieu. Musikalisch natürlich lupenrein. Ich würde allerdings Deutsche *nie* zum Mitklatschen auffordern. Davor sei sie auch gewarnt worden - sie vertraue aber ihrer Stadt Berlin, dass man hier die "Soul Claps" auch im richtigen Rhytmus hinkriege. Sie sang inbrünstig Geschichten von Beziehungen, in denen der Typ "real" zu ihr sein soll, dass nach dem dritten Mal betrügen endgültig Schluss ist etc. Ein Lied über ihr Aufwachsen als Afrodeutsche widmete sie ihren Kindern. Masekela kam für einen Song auf die Bühne, kam aber gar nicht Recht zum Zuge, weil sie ihm keinen Raum ließ. Fand ich peinlich.

Dann endlich my Cup of Tea - Jazz Jamaica. Super Musiker, super Groove. Sie luden dann Masekela auf die Bühne, um mit ihm gemeinsam als verspätetes Geburtstagsständchen "Grazing in the Grass" zu spielen. Bandchef Gary Cosby erzählte zu jedem Song Hintergrundgeschichten. Leider manchmal etwas schwierig für ein nicht muttersprachliches Publikum mit anderem kulturellen Hintergrund. Die Leute haben auch eher verhalten bis irritiert darauf reagiert. Hugh Masekelas Musik sei jedenfalls neben Bob Marley und noch jemandem, den ich vergessen habe, Anfang der 70er der Soundtrack seiner Teenagerzeit gewesen. Dann habe er Masekela vor fünf Jahren bei einer Veranstaltung kennengelernt. "Probably he hatet the versions of his songs that we did." Aber er habe sich wohl daran gewöhnt - denn seither hat man öfter gemeinsam auf der Bühne gestanden. Hier Grazing in the Grass live aus dem Haus der Kulturen der Welt:

Link:

André Williams 5. Mai 2009 Bassy Berlin

2009-05-06T14:59:00.011+02:00

Ein Interview mit André Williams findet ihr auf meiner Seite Popkontext.de

Gestern sind alle, die sich für hippe Popmusikfans hielten, zu Casiotone for the Painfully Alone oder The Phantom Band gepilgert. Hätte ich beide auch gern gesehen, habe mich dann aber doch für den alten schwarzen Mann entschieden. Und das war gut so. Auch wenn er leider, leider, leider seine New Orleans-Hellhounds zu Hause gelassen hat und die holländische Begleitband eher eine okaye 0815-Kneipenband war, doch ein Erlebnis.

Williams, Jahrgang 36, hatte sich in den 50ern nach Abbruch der Schule und einem Abstecher bei der Navy entschieden, Entertainer zu werden. Er konnte nicht singen, hat sich aber mit schmutzigen Texten und feschen Anzügen à la Cab Calloway profiliert. Er hatte ein paar Hits, dann on und off für Motown gearbeitet (kam aber mit Barry Gordy nicht klar) und war immer irgendwie dabei - als Musiker, Autor und Produzent. Als er Anfang der 70er für Ike Turner arbeitete, entdeckte er seine Liebe zum Kokain und das war's dann erstmal für eine ganze Weile. Ende der 90er sammelten ihn dann junge weiße Fans unter einer Brücke in Chicago wieder auf und verhalfen ihm zu einer zweiten Karriere. Er kam beim Alternative Country-Label Bloodshot unter; bekam Unterstüzung von jungen Musikerkollegen wie Jon Spencer. Im letzten Jahr erschien ein Dolkumentarfilm über ihn, "Agile, Mobile, Hostile", in dem klar wurde, dass er noch immer mit seinen Dämonen kämpft.

Gestern wirkte er jedoch geistig fit, gut gelaunt und agil. Immer mit einem hinterlistigen Grinsen im Gesicht, aber auch dem bösen Blick hin und wieder sang er seine Songs - den schmutzigsten ("Let Me Put it in") widmete er seinem Tonmann. Das Publikum sah übrigens auch interessanter aus als auf durchschnittlichen Indiekonzerten. Viele Frauen, aber auch Typen richtig schick in 50s (oder whatever) Style aufgedonnert; eine Frau mit lustigen Zöpfchen war extra aus Spanien angereist, um den Gig zu sehen.

Irgendein idiotischer Fan wollte Williams dann ein Tannenzäpfle spendieren - er ist tapfer bei seiner Cola geblieben. Im Interview war er der liebe Opa. Obwohl er eigentlich ein rebellischer Geist ist no politics - ich wurde gebeten, ihn nicht nach Obama zu fragen (wollte ich auch nicht). Aber er hat sich auch früher schon aus solchen Sachen wie Bürgerrechtsbewegung rausghalten und zugesehen, wie er als Schwarzer im Geschäft mit dem Allerwertesten irgendwie an die Wand kommt - im System. "Race" ist für ihn trotzdem konstant präsent, wenn er spricht, zum Beispiel von seiner treuen neuen "young white audience". Er meint auch, dass das Publikum in den USA auch heute noch sehr nach Hautfarbe getrennt sei - schwarze Jugendliche gehen zu anderen Gigs als weiße. Interessant auch, wie er afrikanische Trommelrhythmen entdeckte, die er von Anfang an einsetzte: "I went to the library. Not only for music. That's where I got my education."

Fleet Foxes / J Tillman 2008 Huxley's Neue Welt

2009-04-14T19:02:00.006+02:00

J Tillman

Da durfte ich leider nur mit Knipskamera...

Andrew Bird

2009-04-14T18:41:00.003+02:00

Skeletons 2. März 2009 NBI Berlin

2009-04-14T18:04:00.007+02:00

Vampire Weekend 2008 Kesselhaus Kulturbrauerei Berlin

2009-04-14T01:20:00.007+02:00

Ratatat 8. Dezember 2008 Maria am Ostbahnhof Berlin

2009-04-14T01:02:00.004+02:00

Young Marble Giants 16. Januar 2009 HAU Berlin

2009-04-14T00:38:00.006+02:00

Crystal Antlers 15. Februar 2009 Magnet Club Berlin

2009-04-13T23:45:00.007+02:00

Neko Case Roter Salon Berlin

2009-04-13T21:17:00.006+02:00

Jon Rauhause

Eagles of Death Metal / Jesse Hughes

2009-04-13T21:08:00.001+02:00

William Fitzsimmons Schokoladen Berlin

2009-04-13T21:00:00.004+02:00

Femi Kuti Backstage Kesselhaus Kulturbrauerei Berlin

2009-04-13T16:51:00.005+02:00

Alela Diane 10. April 2009 Lido Berlin

2009-04-13T14:23:00.005+02:00

William Elliott Whitmore 10. April 2009 Lido Berlin

2009-04-13T14:13:00.006+02:00

Ein Interview mit William Elliott Whitmore findet ihr auf Popkontext.de.

Yo Majesty / JWL.B

2009-04-07T00:52:00.004+02:00

Eine Fotogalerie und ein Interview mit Jwl.B von Yo! Majesty findet ihr auf Popkontext.de.

Daniel Johnston

2009-04-07T00:38:00.003+02:00

Der Ball muss weiter rollen!

2008-11-06T11:51:00.008+01:00

Der Hessische Rundfunk plant die Abschaffung der letzten qualitativ hochwertigen Musik-Autorensendungen in seinem Programm. Wegen mangelnder Quoten, im Sinne der "Durchhörbarkeit" (aua).

Betroffen ist unter anderem die Sendung "Der Ball ist rund" von Klaus Walter. Seit 25 Jahren im Programm, ist sie inzwischen eine Institution, die mehrere Generationen musikalisch sozialisiert hat. Walter ist einer der mit Abstand kompetentesten Musikjournalisten Deutschlands, der auch mit über 50 noch am Puls neuer musikalischer Entwicklungen ist.

Qualifiziertes Autoren-Musikradio darf nicht nur noch ehrenamtlich bei Byte.fm oder den Bürgerradios stattfinden. Dafür zahlen wir auch Rundfunkgebühren! Da dies auch Signalwikung auf den Rest der deutschen öffentlich-rechtlichen Radiolandschaft hat, und unterstützt untenstehende Petition für den Erhalt dieser großartigen Sendung und leitet den Link an gleichgesinnte Leute weiter: www.derballistrund.org

Hier eine Artikel aus der FR-Online. Und ein Interview mit Klaus Walter in der Spex.

Chris Garneau am 26. Oktober im NBI / Kulturbrauerei, Berlin

2008-10-28T19:20:00.011+01:00

Ein kleiner Mann zwischen zwei Alben. Er erzählte im Interview sehr reflektiert davon, dass die Songs seines im Januar 2007 erschienen Debütalbums teilweise fünf Jahre alt wären und von den Nöten eines Jungen handeln, der er mit inzwischen 25 nicht mehr sei. Das neue Album, schon lange im Kasten, wird erst im Februar erscheinen. Mehr Percussion, überhaupt mehr - Produktion, Mit- und Gastmusiker. Mehr Erfahrung. In irgendwelchen Bergen an der US-Ostküste in der Holzhütte aufgenommen.

Da Garneau grad nicht im Mittelpunkt der Presseaufmerksamkeit steht, trat er in diesem winzigen Laden auf, wo vor der Bühne kaum ein paar Duzend Menschen Platz finden, die sich dort auch drängelten.

Die "Vorband" war ein jaulender Bursche mit Gitarre, der genervt hat. Garneu macht zwar auch Jammermusik voller Gefühlsleid, aber er macht es gut. Er hasst Vergleiche mit Rufus Wainwright, weil die eh nur gezogen würden, weil beide offen schwul sind. Aber irgendwie hat es mich schon an Wainwright erinnert, rein musikalisch. Garneau benennt allerdings - neben anderen - Elliot Smith als seinen größten Einfluss.

Niedlich war, dass er wohl in der Tat etwas zu viel Gin getrunken hatte und damit nicht nur kokettierte. Er zog die Show bestens durch, blieb dann aber zur Zugabe verschwunden.

Xiu Xiu am 21. Oktober 2008 im Lido Berlin

2008-10-23T00:50:00.006+02:00

Tolle, interessante Band. Nur sowieso nicht 100 % mein persönliches Ding. Und an dem Abend war mir gar nicht danach. Da hätte ich sowas wie Bon Iver gebraucht, irgendwas, was einen in den Arm nimmt. Und das tun die nun gar nicht. Oder höchstens hintenrum. Aber die Katharsis hatte ich grad hinter mir.

Of Montreal am 19. Oktober 2008 im Lido, Berlin

2008-10-22T23:40:00.014+02:00

Der Band eilt der Ruf vorraus, eine spektakuläre Show zu veranstalten: ohne Ende irre Kostüme, in weißes Pferd auf der Bühne, und auch mal Kevin Barnes in ganz nackt. Darauf haben sicher alle gewartet. Ein bisschen wurden sie enttäuscht. Denn einerseits konnte die Band nicht ihr ganzes Geraffel verschiffen, sondern mußte auf das reduzieren, was in die Koffer passte. Pferd ging nicht. Und Barnes hatte etwas Unrechtes gegessen und ihm war den ganzen Abend schlecht.

Aber er ist Vollprofi und hat trozdem eine gute Show durchgezogen. Ein gut aussehender, bowiesker Mann, der auch im Goldlamé-Unterhöschen souveräner wirkt als so mancher im Anzug hat was. Dazu ist er noch klug und freundlich. Davon konnte ich mich später überzeugen, als er mir mit leidendem, schminkeverschmierten Gesicht gegenüber saß und ein gutes Interview gab. Wenn es nicht völlig indiskret gewesen wäre, hätte ich davon ein Foto gemacht - obwohl ihn das eher nicht gekratzt hätte.

Jakob Dylan am 11. Oktober im Kesselhaus Berlin

2008-10-22T19:55:00.014+02:00

Ein Konzert, was man nicht wirklich brauchte. Wie geahnt. Als ich reinkam dachte ich ach mein Gott, der arme Junge muss doch Identitätsprobleme kriegen. Ganz der Vater: Aussehen, Outfit und Musikstil. Nur leider hat er nicht das Talent und das Charisma. Ganz böse Nummer. Sich darauf zu verlassen, dass man ein schickes Schnittchen ist und einen bekannten Namen trägt reicht nicht. Tat er leider und war offekundig traurig, dass das Publikum nicht so richtig mitging. Lag einerseits dran, dass er einfach eine mäßig talentierte Schlaftablette ist, aber dass eben auch genau die zwei Fraktionen da waren, die er anspricht. Die kleinen Mädchen, die jede Textzeile kannten, mitsangen und schmachteten. Und die (vorrangig) älteren Herrschaften, die mal schauen wollten, was der Sohnemann so macht.

Dann war auch die Bühnenshow derart langweilig. Er hatte keine Mimik ausser einem matten Grinsen, fünf lahme Bewegungen, die er in regelmäßien Abständen vollzog. Seine Begleitgitarristen zwei ältere Herren, die gelangweilt ihren Job machten. Einzig lustig der Schlagzeuger. Der hat wenigstens ein paarmal gelacht und den Kopf gewedelt, kam aber auch nicht zum Zuge.

Gähn, hier ein Artikel aus der Süddeutschen.

Calexico und Kocani Orchestar am 9. Oktober 2008 in der Columbiahalle

2008-10-11T19:00:00.009+02:00

Wieder eine Spontanaktion - diesmal allerdings Kamera dabei. Nur dass mein Kumpel (hey Martin!), mit dem ich ja auch gemeinsam das Konzert genießen wollte, ein Hintensteher ist. Deshalb nur ein paar Schnappschüsse vom Finale mit beiden Bands. War übrigens auch das 20. Jubiläum der rührigen, und für die Musikszene jenseits des Mainstreams außerordentlich wichtigen Konzertagentur Bertold Seliger. Herzlichen Glückwunsch! Auf die nächsten 20.

Robert Forster am 4.10.2008 in der Passionskirche, Berlin

2008-10-05T23:19:00.004+02:00

Spontanaktion - kein Fotoapparat dabei. Ausgerechnet! War der Hammer, auch optisch. Zum ersten Mal hat mich in einer Kirche der Heilige Geist erwischt.

Bowerbirds am 30.9.2008 im Café Zapata, Berlin

2008-10-05T23:08:00.003+02:00

Portugal the Man am 28.9. im Lido Berlin

2008-10-05T22:17:00.010+02:00

Ein ausführliches Interview mit Portugal. The Man (2007) findet ihr auf Popkontext.de.

My Brightest Diamond am 22. September 2008 im Lido, Berlin

2008-09-25T21:20:00.005+02:00

Yeasayer am 14. August 2008 im Lido, Berlin

2008-09-25T20:57:00.005+02:00

Mark Stewart 16.6.2008 Berlin Maria

2008-06-19T17:48:00.015+02:00

Hugh Rampolo Masekela

2008-05-26T19:42:00.002+02:00

Hot Chip am 8.3.08 in Hamburg, Übel und Gefährlich

2008-03-15T14:34:00.018+01:00

Schöne Review im Tagesspiegel vom Berliner Konzert hier. Einziger Unterschied zu Hamburg (oder mir ist etwas entgangen, weil ich streckenweise auch nichts sehen konnte): Alexis Taylor war hier anständig angezogen. Und gefreut haben sie sich wie die Schneekönige, weil das Publikum das ganze Konzert hindurch tobte (siehe unten).

Jason Ringenberg am 24.2.2008 im Enercity-Expo-Café Hannover

2008-02-25T20:56:00.013+01:00

Mark Stewart

2008-02-23T18:57:00.001+01:00

Jens Lekman am 17.2.2007 im Lido Berlin

2008-02-19T19:01:00.021+01:00

Musikparadies im Netz

2008-01-28T14:44:00.000+01:00

Artikel aus langeleine.de

Der neue Internetsender Byte.fm will Musikfreunden in Deutschland eine Radioheimat geben. Er setzt auf moderierte Autorensendungen und renommierte Namen

Erlesenes für die Ohren: Byte.fm ist on air

Für Musikfans stellt sich die derzeitige Radiolandschaft als eine einzige Katastrophe dar. Traute sich vor 25 Jahren ein NDR-Moderator schon mal, morgens um 10 seine Bluesscheiben auf den Plattenteller zu legen, weil er gerade Lust dazu hatte, ist das heute undenkbar. Seit sie Konkurrenz durch das Privatradio bekamen, setzen auch die öffentlich-rechtlichen Sender im Sinne der Quote auf Mainstream, Gleichschaltung und Gedudel. Wenige anspruchsvolle Musikinselchen im Radio, wie Klaus Walters “Der Ball ist rund” beim Hessischen Rundfunk, der “Zündfunk” auf Bayern 2 und der “Nachtclub” im NDR werden von den Fans kultisch verehrt und wurden von diesen mehr als einmal davor bewahrt, endgültig abgesägt zu werden.

Wie in guten alten Radiotagen

Wenn man den neuen Internetsender Byte.fm einschaltet, glaubt man sich in die alten Tage versetzt: Hier gibt es rund um die Uhr Musikmagazine und Autorensendungen - querbeet und zu speziellen Musikgenres von Electro bis Rootsmusik. Der Unterschied zu anderen Internetradios: Es klingt professionell. Denn hier eröffnete nicht einfach irgendein weiterer von allein in Deutschland rund 3.000 von enthusiastischen Amateuren betriebener Internetsender. Initiator und Geschäftsführer Ruben Jonas Schnell, der ein Jahr an der Vorbereitung gebastelt hat, setzt auf Qualität und renommierte Namen. Im Gegensatz zum Internetsender last.fm, der von vielen Musikliebhabern tatsächlich für das letzte annehmbare Radio gehalten wurde, gibt es nicht nur Lieblingsmusik, sondern auch Menschen dahinter - das heißt, Unerwartetes an Genres, handverlesene Songs, aber auch Informationen, Konzerttipps und Interviews. Die Moderatoren sind allesamt selbst leidenschaftliche Musikfans, und so ist das Ganze für sie auch ein bisschen ein Selbsthilfeprojekt.

Musikfan Ruben Jonas Schnell: Initiator und Geschäftsführer von Byte.fm

Aber Schnell ist nicht nur Musikenthusiast, sondern auch seit langen Jahren als Moderator und Redakteur von Musiksendungen zunächst beim freien Radio Dreyeckland und dann bei öffentlich-rechtlichen Sendern wie dem NDR (Nachtclub) tätig. So hatte der 39-Jährige die nötigen Beziehungen, um das Who is Who der deutschen Musikjournalistenszene an Bord zu holen. Mit dabei unter anderem Klaus Walter, Klaus Fiehe und Gudrun Gut - Namen, die bei Kennern die Ohren im wahrsten Sinne des Wortes klingen lassen. Dazu kommen noch ein paar Moderatoren von Freien Radios wie FSK Hamburg und Radio Flora Hannover sowie DJs aus den großstädtischen Szenen von Berlin und Hamburg, wo der Sender zu Hause ist.

Ein großes Experiment

Zunächst ist alles noch ein großes Experiment. Gibt es wirklich so viele Musikenthusiasten, dass die erhofften 600.000 Zugriffe pro Monat zustande kommen, die den Sender finanziell am Leben halten würden? Das Konzept sieht vor, zunächst zu versuchen, ohne Werbung auszukommen. Im Moment arbeiten alle Moderatoren ehrenamtlich, was sich langfristig ändern soll. Man setzt auf so genannte Subventionspartner, die den Sender finaziell unterstützen, um ihr Image damit zu schmücken. Derzeit ist das bisher nur Panasonic. Schnell hofft auf eine Handvoll weitere. Erste inhaltliche Kooperationspartner sind unter anderem das Popkulturmagazin Spex, die taz und das Internet-MP3-Magazin Tonspion.

Die Technik steht zumindest in der Theorie auf der Seite der Internetradios: Es gibt bereits WLAN-fähige Geräte, die auch ohne Computer den Stream empfangen können. Auch die nächste iPod Generation wird WLAN-fähig sein. Radiofans haben sich sowieso angesichts der wenigen und zumeist schlechten terrestrischen Angebote bereits technisch hochgerüstet.

Auch wenn’s mit dieser Kombi aus Dampfradio und Router nicht klappen wird: Es gibt inzwischen Radios, die den Internetstream ohne PC empfangen können

Startschwierigkeiten mit Charme

Nach den ersten 14 Tagen ist Byte.fm noch im Probelauf. Kleine Startschwierigkeiten müssen sich einrenken: Die von den Machern mit Freude registrierten 20.000 Klicks brachten gleich zum Sendestart am 11. Januar 2008 den Server des neuen Internetradiosenders erst einmal kurzfristig zum Erliegen, und immer wieder tauchen neue Problemchen auf. Einige wurden inzwischen behoben: Ein MP3-Stream wurde eingerichtet - allerdings noch ohne Titelanzeige - und das hallende Studio im Hamburger Medienbunker gedämmt. Die Hörer konnten den Stand der Dinge über den Blog der sehr schön und anwenderfreundlich gestalteten Internetseite des Senders genauso verfolgen wie über Bemerkungen der Moderatoren, die hin und wieder die Lage kommentieren.

Die Technik und ihre Tücken

Das Sendeschema ist derzeit noch nicht so gefüllt, wie es in ausgereiftem Zustand sein soll. Da Qualität an erster Stelle steht, gibt es moderierte Livesendungen zunächst nur von 16 bis 24 Uhr. Nachts sind Musikmixe von DJs zu hören, ab sechs Uhr Wiederholungen vom Vortag. Bei den Magazinstrecken muss der Chef selbst noch endlose Stunden ans Mikrofon, weil Moderatoren für verschiedene geplante Sendekonzepte wie den “Tourkalender” oder das von wechselnden Musikfans zusammengestellte “Mixtape” noch fehlen. Andere Macher, die nicht aus Hamburg kommen, kämpfen mit den Tücken der Aufnahmetechnik am heimischen PC, an dem sie ihre Sendungen vorproduzieren. Aber gerade das noch Unfertige verbreitet einen heimeligen Charme, der den Hörer mit den regelmäßigen Abstürzen des Players leben lässt. Was macht das schon, wenn man sich doch über jeden neuen Song freuen und sich ganz nah am Paradies fühlen kann.

* Byte.fm im Netz:

Byte.fm

* Stream:

http://www.byte.fm/player/player.html

* MP3-Stream:

(Fotos: Barbara Mürdter / Foto Ruben Jonas Schnell: Dirk Pudwell)

Ikonografie des Schattens

2008-01-19T16:07:00.000+01:00

Audiobeitrag zum Film Control hier
Artikel aus langeleine.de vom 10. Januar 2008

von Barbara Mürdter

Mit “Control”, einem Film über den Kultmusiker Ian Curtis, ist dem Fotografen und Clip-Regisseur Anton Corbijn ein berührendes, meisterhaftes und eigenständiges Filmdebüt gelungen – aber keine Innovation.

Vor fast dreißig Jahren kam der junge Holländer Anton Corbijn nach England, angelockt durch die Musik einer fast unbekannten Band namens Joy Division. Der angehende Musikfotograf machte eine Fotoserie von ihnen in einem U-Bahn-Tunnel. Die Bilder wurden legendär, ebenso wie die Band, die als Keimzelle des Post-Punk gefeiert wird. Auch der Fotograf schrieb Geschichte: Mit seiner durch Licht und Schatten bestimmten, körnigen Schwarz-Weiß-Ästhetik wurde er in den 80ern stilprägend für die Rockfotografie.

Sam Riley spielt Ian Curtis in Anton Cobijns “Control”

Ein altes schwarz-weiß Foto

Produzent Oran Williams erinnerte sich an eben jene Fotos, als er einen Film über das kurze Leben von Joy-Division-Kopf Ian Curtis plante – und wollte Anton Corbijn als Regisseur. Dieser lehnte erst ab, dachte jedoch noch einmal über seine persönliche Bindung an das Thema nach und entschied, dass dies genau das richtige für ein Spielfilmdebüt sei.

Er wollte den Film in schwarz-weiß drehen, in seiner Bildsprache. Die Erinnerungen an Joy Division seien schwarz-weiß, meint Corbijn. Zu Lebzeiten von Curtis sei die Band nie so groß geworden, dass sie in bunten Hochglanzmagazinen auftauchten, sondern nur in den selbstkopierten Fanzines, die damals die neueste technische Errungenschaft waren. Und selbst das Cover auf Englands berühmtester Musikzeitschrift NME im August 1979 war schwarz-weiß.

Vorsichtig und distanziert nähert sich der Regisseur dem verehrten Musiker an, mit Respekt vor dem Subjekt, aus dem Bewusstsein heraus, dass die Fangemeinde sehr kritisch auf das Endprodukt reagieren würde. Er vermied Psychologisierungen oder offensichtliche Wertung, Schuldzuweisung oder Erklärungen.

Viele Erzählungen zu einer großen verwoben

Als Grundlage für das Drehbuch wurde die Biografie verwendet, die Curtis’ Witwe Deborah über ihn geschrieben hat. Darüber hinaus fungierte Deborah als Co-Produzentin für den Film. Jedoch wollte das Filmteam alle Sichtweisen beleuchten: die der Bandkollegen und von Förderer Tony Wilson, der kurz vor der Fertigstellung des Endprodukts verstarb. Zum ersten Mal gelang auch eine Kontaktaufnahme zur viel gescholtenen Geliebten von Curtis, Annik Honnoré, die sich für interne Interviews zur Verfügung stellte und Einblicke in die Briefe gewährte, die ihr der Sänger in den letzten sechs Monaten vor seinem Suizid schrieb.

Streng chronologisch in kurzen Sequenzen, die ohne Hektik und mit wenigen alltäglichen Worten das, was gesagt werden soll, auf den Punkt bringen, zeichnet Corbijn sieben Jahre aus dem Leben von Ian Curtis nach. Allein mit dem Ambiente Hochhaussiedlung / Wohnungseinrichtung wird die Klassenherkunft geklärt; mit einem nicht zurückgeschossenen Fußball, der ihm auf dem Heimweg vor die Füße fällt, wird der Protagonist in seiner Schrulligkeit und Verträumtheit charakterisiert. Tragend sind wenige Gesten und vor allem die Mimik des Hauptdarstellers. Die Angst, Hoffnung, Langeweile und Verzweiflung, die sich in dem holzschnittartigen Gesicht mehr verbergen als zeigen. Nur die Augen und ein paar verzogene Muskeln sagen alles und lassen es offen für Interpretationen. Nur durch die Phantasie und das Mitgefühl des Zuschauers, der die Leiden der Figuren erahnt, entsteht der Film im Kopf. Das klingt nach wenig Action, und das ist auch richtig. Trotzdem fesselt der Film in seiner ganzen Länge.

Ian heiratet mit 19 Jahren Debbie (Samantha Morton)

Sieben Jahre im Leben von Ian Curtis

Wir folgen dem 16jährigen Curtis von der ersten Verliebtheit in die Musik von David Bowie und bald darauf in das blonde Mädchen Deborah, das er mit 19 Jahren heiraten wird. Es ist das Jahr 1973. Curtis ist ein zu schrägen Scherzen aufgelegter, verträumter Schüler, der alten Damen potentiell berauschende Medikamente stibitzt, gern Wordsworth zitiert und seine ersten eigenen Texte schreibt. Er träumt davon, ein Poet zu sein wie seine Vorbilder Burroughs, Ballard und Kerouac. Dann kommen die Sex Pistols nach Manchester, Freunde von ihm gründen nach dem Konzerteindruck eine Band. Er bietet sich als Sänger und Textautor an und bekommt den Zuschlag. Es ist eine musikalisch turbulente Zeit in England – die Band wird bald von Manchester Musik-Impressario Tony Wilson entdeckt und gefördert. Sie wird über die lokalen Grenzen bekannt. Curtis jedoch trifft ein Schicksalsschlag: Er beginnt, an Epilepsie zu leiden. Zudem gerät die Diskrepanz zwischen beginnendem Rockstar-Dasein und biederer Häuslichkeit mit Baby in der Kleinstadt immer mehr zum Konflikt.

Weiß nicht wohin: Curtis am Beginn einer persönlichen Krise

Der Film konzentriert sich auf diese persönlichen Krisen, die außer Kontrolle geraten: Die Krankheit ist mit dem Leben eines Rockmusikers nicht vereinbar – er entscheidet sich, epileptische Anfälle auf der Bühne hinzunehmen, schämt sich aber maßlos dafür. Und auch zwischen der Liebe zu einem Fan und dem Verantwortungsgefühl seiner jungen Familie gegenüber findet er keine Entscheidung. Durch eine falsche Medikation zusätzlich von schweren klinischen Depressionen geplagt, nimmt er sich am Abend vor der ersten USA-Tour das Leben. Er ist 23 Jahre alt.

Eine Legende mit Licht und Schatten

So die Legende, an der Corbijn auch nicht zu rütteln versucht. Die Bilder sind ikonisch, ganz im Stil seiner Fotografien. Dennoch nimmt man Curtis durchaus als Menschen war, einen der leidet und auch seine Schwächen hat. Nicht nur die Wahl des Hauptdarstellers, des bisher fast unbekannten Sam Riley, sondern die gesamte Besetzung des Films erweist sich als äußerst gelungen. Die Schauspieler sehen den dargestellten Personen nicht nur optisch ähnlich. Sie schaffen es auch, atmosphärisch nah am Original zu sein. Beeindruckend ist ebenfalls, dass die vier “Bandmitglieder”, von denen zwei überhaupt keine musikalischen Vorerfahrungen hatten, sogar die Musik selbst spielen.

Verblüffende Ähnlichkeiten mit den echten Protagonisten: Rob Gretton (Toby Kebbell), Ian Curtis (Sam Riley), Steve Morris (Harry Treadaway), Peter “Hooky” Hook (Joe Anderson), Bernard Sumner (James Anthony Pearson) mit Tony Wilson (Craig Parkinson)

Da die einzigen britischen Filmfördergelder des knappen Drei-Millionen-Budgets von einer Institution in Nottingham kamen, wurden viele der Szenen auch dort lokal gedreht und nur wenige in Curtis’ Heimatort Macclesfield südöstlich von Manchester. Trotzdem gelingt Cobijn mit wenigen Einstellungen eine überzeugende Darstellung der Düsterheit und Armut, die der aus ländlichen Verhältnissen stammende Pastorensohn selbst Ende der 70er in den nordenglischen Städten mit Erschrecken gesehen hatte und die die Musik von Joy Division stark prägten.

Inszenierte Wahrheiten

Die Intention des Produzenten Oran Williams war es, ein Produkt zu schaffen, das von den Zuschauern als “die Wahrheit” über Joy Division betrachtet wird. Eine einzige Wahrheit gibt es allerdings bekanntlich nicht, und ein Film ist immer eine Interpretation - subjektive Geschichten von Curtis’ Wegbegleitern wurden verwoben, gestrafft und verändert, um sie der großen Erzählung dienlich zu machen. Einen weiteren Teil der “Wahrheit” wird man im Laufe des Jahres in einem Dokumentarfilm über Ian Curtis und Joy Divison erfahren können. Er wurde ebenfalls hochkarätig umgesetzt - von Grant Gee, der schon bei “30 Century Man” über Scott Walker die Kamera führte und beim Radiohead-Film “Meeting People Is Easy” die Regie, und dem britischen Punk-Pabst John Savage. Dieser wird demnächst auch in deutschen Lichtspielhäusern zu sehen sein und wird von Kritikern bereits als die passende Ergänzung zum “Biopic” “Control” gefeiert. Pünktlich zum Filmstart hat Warner zwei remasterte Ausgaben des schmalen Werkes von Joy Division – die Band hat nur zwei Studio-Alben aufgenommen – herausgegeben, und es gibt ein neues Fotobuch namens “In Search of Ian Curtis”. Damit wäre das Thema für die nächsten Jahre popkulturell abgehandelt und durchgekaut, bis die Band von einer neuen Generation wiederentdeckt wird. Derweil freuen wir uns auf das experimentelle “Biopic” “I’m Not There” von Starregisseur Todd Haynes über Bob Dylan und einen Dokumentarfilm über den weniger bekannten New Yorker Cellisten Arthur Russell, die die Reihe von Filmen über Kultmusiker in den nächsten Monaten fortsetzen.

Jetzt im Kino: Control
Regie: Anton Corbijn
Filmstart: 10. Januar 2008

(Fotos: Pressefotos/Dean Rogers)

Michael J. Sheehy am 11. Januar 2008 im Café Glocksee Hannover

2008-01-14T19:05:00.001+01:00

Andreas Vollenweider

2007-12-31T19:18:00.000+01:00

Justus Köhncke im Indiego Glocksee Hannover

2007-12-08T21:21:00.003+01:00

Ankündigungstext /Info meinerseits bei langeleine.de. Hat leider nichts genutzt - wenn ein paar mehr Leute ihren Hintern ins Haus bewegt hätten, wäre das ein richtig schöner Abend geworden. Dafür waren die anwesende handvoll umso enthusiastischer. Die Musik war gut, aber so richtig in Fahrt jenseits der Routine kamen die Burschen unter den gegebenen Umständen auch nicht. So war nach einer Stunde Set Ruhe im Karton. Die Leute von der Hannoverschen Band Königin Mutter, die vor Köhncke und Sideman Fred Heimermann gespielt hat (habe ich verpasst) legten danach noch auf. Hat mich nicht weiter berührt.

Zum erscheinen von Köhnckes neuen Album "Save and Sound" am 28. Januar bei Kompakt gibt es auf Radio Flora ein ausführliches Porträt mit Interview. Hier hier gibt es zu gegebener Zeit die Vorankündigung.

Fotos: Barbara Mürdter

Lucinda Williams am 6.11.2007 in der Fabrik, Hamburg

2007-11-09T22:36:00.000+01:00

Fotos: Barbara Mürdter

Ill Ease

2007-10-23T20:36:00.000+02:00

Elizabeth Sharp alias Ill Ease aus New York. Eine sehr coole Frau im Alleingang. Gestern gesehen bei Mint-Music.

Dufus am 21.10.07 im Kulurpalast Linden, Hannover

2007-10-22T19:25:00.000+02:00

Super Band. Unbedingt anschauen, wenn ihr die Gelegenheit habt. Mehr gibt es dazu nicht zu sagen.

Hazmat Modine im Jazzclub Hannover 25.7.07

2007-10-22T18:50:00.000+02:00

Lucky Dube

2007-10-21T20:41:00.000+02:00

(Foto: Wikipedia)

Am letzten Donnerstag wurde der südafrikanische Reggaestar Lucky Dube bei einem Raubüberfall in Johannesburg erschossen. Er war einer der größten bis dato lebenden Reggaestars. Mein Kollege Christian Mercker hat vor fünf Jahren ein Interview mit ihm gemacht, was er heute, Sonntag den 21. Oktober in seiner Sendung "Roots Reggae-Show" auf Radio Flora ab 22 Uhr ausstrahlen wird.

Mit Ausschnitten aus diesem Interview habe ich ein Porträt des Künstlers zusammengestellt, das ihr hier hören könnt.

"Greenwich Village"-Konzertreihe im Haus der Kulturen der Welt in Berlin

2007-10-20T14:33:00.000+02:00

Professor Louie, Jeff Lewis Band, Ish Marquez, Session mit Bob Neuwirth

Text dazu hier

Fotos: Barbara Mürdter

Jeffrey Lewis Band am 10.1007 im Kulturpalast Linden Hannover

2007-10-20T14:22:00.000+02:00

Fotos: Barbara Mürdter

Das Rumpeln des Subway

2007-10-19T18:57:00.000+02:00

Originalartikel in langeleine.de.
Mehr Fotos hier.

Im Rahmen der Ausstellung “New York in Berlin” präsentiert das Haus der Kulturen der Welt in Berlin derzeit die Musikreihe “Greenwich Village”. Im Mittelpunkt stehen Folk und Antifolk aus dem “Big Apple”. Für Musikfans ist das erlesene Programm eine Reise wert

Text und Fotos: Barbara Mürdter

Kurator Detlef Diederichsen wollte die Klischees, die mit New York in Verbindung stehen, ganz bewusst vermeiden: “Ich wollte nicht Lou Reed einladen und auch niemanden ‘New York, New York’ singen lassen.” Diederichsen wollte tiefer gucken und New York als die Welthauptstadt der Musikindustrie darstellen. Als Keimzelle jeglicher kommerziellen Musik sieht er die Broadway-Tradition seit dem 19. Jahrhundert. Folglich befasste sich ein Teil der von ihm in Berlin präsentierten Musikreihe mit verschiedenen Blickwinkeln auf diese Tradition. Außerdem ging es um New York als Hauptstadt der lateinamerikanischen Musik. Im zurzeit stattfindenden letzten Teil der Reihe soll der Folk dargestellt werden, der sich als Gegenbewegung zur zunehmenden Kommerzialisierung und Stilisierung der Broadway-geprägten Popmusik entwickelte.

Session mit Bob Neuwirth auf der Greenwich Village-Bühne

Folk als Ausdrucksmittel

“Die Leute fühlten sich abgestoßen und wollten es nun weniger künstlich und heileweltmäßig haben. Sie wollten eine simple, pure Musik in der auch die Wirklichkeit eine Rolle spielt, in der man auch seine Meinung zum Ausdruck bringen kann, seine Dissidenz. Es hat in New York in den 50er-Jahren begonnen, und es gibt bis heute unter kaum verändertem Vorzeichen immer noch eine aktive Szene, sogar noch an den selben Orten, nämlich in Greenwich Village”, erklärt Detlef Diederichsen. In den 1940er-Jahren war Woody Guthrie in die Stadt gekommen und hatte durch seine Präsenz quasi im Alleingang die Grundlage für die politisierte Folkszene der frühen 60er-Jahre geschaffen: Phil Ochs, Joan Baez und als alles überstrahlende Figur natürlich Bob Dylan, der in seinen jungen Jahren zu Guthries glühendsten Verehrern zählte.

Professor Louie trägt den Geist der Sechziger in sich

Aus der politischen Bewegung der 60er-Jahre kommt auch Professor Louie, der gemeinsam mit der Jeffrey Lewis-Band am Eröffnungsabend auf der Bühne stand. Allerdings war er seinerzeit im Theater engagiert. Auf die Idee, seine sozialkritischen Gedichte zu rappen, um sie den Menschen nahe zu bringen, kam er erst Anfang der 80er im Zuge des frühen HipHop. Seitdem tritt der inzwischen 65jährige bei Gewerkschaftsveranstaltungen, Benefizveranstaltungen und in linken Buchläden und Musikclubs auf. In seinem Viertel kennt ihn jeder – außerhalb niemand. Er ist eine der kleinen Perlen, dieses Stück New Yorker Leben, welches die Veranstalter ausgegraben und nach Europa geholt haben.

Cooler Onkel: Professor Louie aus Brooklyn rappt sozialkritische Gedichte

Und Professor Louie hat gute Beziehungen zu den Kuratoren: Sein Neffe Jeffrey Lewis ist der Co-Kurator der Veranstaltung. “Jeffrey Lewis ist ein unglaublich intelligenter und unterhaltsamer Musiker, Texter und Entertainer. Außerdem ist er mir dadurch aufgefallen, dass er sich auf seinen eigenen Platten und auch in seinen Comics stark auf die Geschichte seines Genres bezieht, sich extrem gut auskennt und auch die obskurste Elektra-Platte von 1964 kennt,” erzählt Diederichsen. “Und er kennt die Leute eben auch teilweise persönlich. Der ist mit Tuli Kupferberg [von den Fugs] und Peter Stampfel [von den Holy Modal Rounders] zusammen aufgetreten. Er repräsentiert quasi diese Ganzheit der Szene so wie ich sie hier auch gern ins Haus bringen wollte.”

Jeffrey Lewis ist neben Detlef Diederichsen Co-Kurator der Veranstaltungsreihe

Beeinflusst vom Rumpeln der Subway-Waggons

Der 32-jährige Lewis selbst fand es in seiner Bescheidenheit hingegen eher belustigend, dass er jetzt plötzlich als Musikexperte für New York zu einem hochkulturellen Ereignis geladen wurde. Aber er fühlte sich auch geehrt und war sofort mit Begeisterung dabei: “Ich hätte mindestens hundert Künstler herholen wollen, die ich wirklich Klasse finde, Bands, die den Geschmack New Yorks und des New Yorker Undergrounds im Folk darstellen, und wie sie sich mit anderen Genres verbinden, weil New York Dinge auf interessante Art verknüpft.” Und er stellt eine interessante These auf: “Die Eigenheit von New Yorks Musik ist durch zwei Dinge entscheidend geprägt worden: Zum einen durch die räumliche Enge, wo man sich etwas einfallen musste, wie man Musik machen kann. Und zum Zweiten: Wenn es stimmt, dass das Unterbewusste im Takt der US-amerikanischen Musik durch den Rhythmus der Züge geprägt wurde, dann ist die New Yorker Musik durch das Rumpeln und Quietschen der Subway-Wagons beeinflusst, die nie ganz im Takt sind.”

Querverbindungen und skurrile Typen

Um all diese Querverbindungen für das Publikum deutlich zu machen, werden in der Veranstaltungsreihe auch Filme gezeigt, so zum Beispiel “Bound to Loose” über die Holy Modal Rounders - eine der schrägsten Bands aus den 60ern, die Songs über Drogen und Sex sang, um das Establishment zu provozieren. Ex-Band-Mitglied Peter Stampfel, der auch Mitglied der ähnlich gelagerten Fugs war, trägt seine seltsamen, sehr eigenen Sachen bis heute vor und ist in Berlin als Gast geladen.

Auf dem Index: Von John Lennon produzierte Platte des New Yorker Straßenbarden David Peel

Ebenfalls zur alten Garde zählt ein anderer Musiker, der kaum über New York hinaus bekannt wurde: David Peel. Peel ist seit den 60ern ein bekannter Straßenmusiker und hat am Ende des Jahrzehnts ein paar Alben auf dem Label Elektra eingespielt. Anfang der 70er begeisterte sich New York-Fan John Lennon für die durchgeknallte Urtype aus der Lower East Side-Szene und produzierte das Album “The Pope Smokes Dope” für das Beatles-eigene Apple-Label. Es landete wegen der provokativen Texte prompt auf dem Index. Peel wurde erst in den 90er-Jahren von Fans der zweiten Generation wiederentdeckt. Jeffrey Lewis schwärmt: “David Peel ist sehr repräsentativ für die verrückte New Yorker Szene.” Dieser Punk-Folk sei ein unterschätzter Teil der New Yorker Kulturgeschichte.

Ish Marquez begann als manischer Akustik-Gitarrist und spielt heute Midtempo-Rock mit persönlichen Texten

Junge Musiker und Veteranen stehen gemeinsam auf der Bühne

Ein Ziel der Veranstaltungsreihe “Greenwich Village”, die noch bis zum 27. Oktober geht, ist es, jüngere und ältere Musiker, welche die Entwicklung der Folkmusik in New York repräsentieren, zusammenzubringen. Zu sehen sein werden auch jüngere Bands aus der vom Punk geprägten New Yorker Antifolk-Szene wie Dufus und Prewar Yardsale. Ein Schwachpunkt des Programmes ist, dass bis auf zwei Bandmitglieder keine Frauen beteiligt sind und mit Ish Marquez nur ein nicht-weißer Act. Gewünschte Künstler wie Odetta, Richie Havens, Dianne Cluck, Dina Dean und Kimya Dawson hatten, von den Kuratoren glaubwürdig bedauert, abgesagt. Jeffrey Lewis findet es auch schade, dass die Reihe nicht als Festival an mehreren zusammenhängenden Tagen stattfindet: “Ich hätte gerne erlebt, wie sie alle zusammen spielen. Ich fühle mich wie ein beschützendes Elternteil”.

nähere Informationen zum Programm:
Haus der Kulturen der Welt Berlin, Musikprogramm

Chuck Prophet - "Soap and "Water"

2007-10-17T20:17:00.000+02:00

Nur wenige Besucher hatten sich am Montag Abend in die Bluesgarage in Isernhagen verlaufen. Hier stand ein Musiker auf der Bühne, der mit seinen Mitte Vierzig bereits ein des Rock’n’Roll-Veteran ist: Chuck Prophet. Seine Texte werden mit denen von Dylan verglichen, seine Gitarrenkünste mit denen von Eric Clapton. Der große Durchbruch blieb ihm bisher verwehrt. Das mag daran liegen, dass er immer auch ein komischer, eigenwilliger Kauz war. Seine Karriere begann er Mitte der 80er mit der mittlerweile legendären Band Green On Red. Als Teil des so genannten "Paisley Underground" mischte die Band aus Tucson, Arizona Psychadelic mit Country. Sie gelten als Vorreiter des Alternative Country der 1990er Jahre. Jüngst legte Prophet mit "Soap and Water" eine seiner besten Platten vor. Barbara Mürdter sprach mit ihm über das Album.

Wo hast du das Album aufgenommen?

Mein neues Album Soap and Water wurde größtenteils in Nashville aufgenommen. Der Ort ist nun allgemein als Hauptstadt des Mainstream-Country bekannt. Aber in den Vororten passieren musikalisch auch durchaus interessante Sachen.

Das Album klingt für mich ein wenig anders als die Vorgänger. Meinst du das auch?

Beim Platten aufnehmen und Musik machen ist ein bisschen, als ob man im Tunnel hupt. Am Anfang ist das total witzig mit dem Echo, aber dann langweilt es irgendwann und man möchte was Neues machen. Wenn etwas aus den Lautsprechern kommt, das ich schon einmal zu oft gehört habe, interessiert es mich nicht mehr. Also versuche ich Neues, um mein Interesse aufrecht zu erhalten. Ich hoffe dann, das alle, die meine Sachen verfolgen, am Ball bleiben.

Gab es dann neue Musik, die du gehört hast? Was hat Deine Platte beeinflusst?

Ich mag viele verschieden Sachen, zum Beispiel Peaches. Sie ist eine Lehrerin aus Kanada, die jetzt in Berlin lebt. Sie ist eine große Folk-Songwriterin. Sie benutzt eine Drummaschine und macht diese einfachen, harten Songs. Ich nehme mir auch immer Zeit für Klassiker wie Dylan oder die Stones. In letzter Zeit habe ich auch viel New York Underground Punk aus den 70ern gehört, wie Television und die Talking Heads.

Mein Lieblingslied auf dem Album ist Doubter out of Jesus. Kannst du erzählen, wie der Song entstanden ist?

Das war einer der Songs, die sich aus einem einfachen Riff zu einem recht opulenten Song entwickelt haben. Richtig frivol wurde es dann, als der Kinderchor dazu kam. Und ich gebe zu, dass Tom Ayres den tollen Gitarrenpart gespielt hat und nicht ich.

Wie kam es zu dem Kinderchor?

Wir haben ihnen ganz viel Pizza und Süßigkeiten versprochen und da waren sie dabei. Sie kennen das nur so. Einer der Eltern, etwa so alt wie ich, hat mir erzählt, dass er auch auf zum ersten mal auf einer Platte gesungen hat, als er in dem Alter dieser Kinder war – bei Countrystar Porter Wagoner. Jeder in Nashville hat schon mal irgendwelche Plattenaufnahmen gemacht.

Wie ist Nashville heute überhaupt. Lebst du da jetzt?

Ich war nur da, um die Platte zu machen. Ich wollte weg, mich auf die Platte konzentrieren, weil das sehr intensiv ist. Ich habe im Studio geschlafen und versucht, auf dem Teppich zu bleiben.

Aber ich mag Nashville irgendwo. Jeder macht da irgendwas. Jeden Morgen, wenn ich mir Kaffe holen ging, habe ich Jack White von den White Stripes gesehen. Der fährt übrigens einen schwarzen Mecedes – mit getönten Scheiben. Nashville ist nicht so ein genialer Ort für Live-Musik wie sagen wir Austin, Texas. Aber es gibt eine Menge Leute, die Songs schreiben und Platten aufnehmen. Viele davon sind schlecht. Aber ich habe mit ein paar Sessionsmusikern gesprochen und die meinten, es macht trotzdem Spaß.

Antifolk in der Schwankhalle Bremen am 7. Oktober 2007

2007-10-08T21:26:00.001+02:00

Zu Gast: Turner Cody, Jeffrey Lewis Band, Herman Düne.

Demnächst gibt es hier mehr zu Jeffrey Lewis, inklusive sehr interessanter Interviewausschnitte. Lewis. 1975 geboren und in der Lower East Side aufgewachsen, ist sehr an der Geschichte und Politik in seiner Stadt interessiert und hat so ein paar sehr interessannte Einsichten zum Besten gegeben - wie es zum Beispiel Künstler schaffen könnten, trotz der hohen Mietpreise in New York - Manhatten oder Brooklyn - wohnen zu bleiben und an die Kulturgeschichte der Orte anzuknüpfen, wieso die 2000er Jahre trotz aller Probleme die besten sind, um sich mit Kultur auseinanderzusetzen, warum sich in der Stadt so eine besondere Musikszene ausgebildet hat etc. Interessant ist auch, das Lewis eine sehr soziale Herangehensweise an die Probleme hat - nicht zufällig interpretiert er auf seinem gerade erschienen aktuellen Album 12 Songs dere britischen Polit-Punk-Band Crass.

Gemeinsam mit Detlef Diederichsen kuratiert Lewis das "Greenage Village" Musikprogramm im Rahmen der New York-Ausstellung im Haus der Kulturen der Welt in Berlin, das vom 12. bis 27. Oktober New Yorker Folkkünstler präsentiert.

Hier ein Artikel zu Jeffrey Lewis bei langeleine.de

Lou Reed und Laurie Anderson

2007-10-08T17:40:00.000+02:00

Kollege Ralf Wessel war in New York. Und hat zielgerichtet die richtigen Leute getroffen. Beim Celebrate Brooklyn Festival im Juli. Erinnert mich an einen der wenigen Katz & Gold Comics, die mal meinen Humor getroffen haben. 1. Bild: Junge Band tritt auf, in Minsk. Im Publikum: Geheimdienst. 2. Bild: Junge Band tritt auf, in Hamburg. Im Publikum: Eltern. 3. Bild: Junge Band tritt auf, in New York. Im Publikum: David Bowie, Lou Reed, Laurie Anderson und noch irgendwer, den / die ich vergessen hab.

Fotos: Ralf Wessel

Free Burma

2007-10-04T13:54:00.000+02:00

Victorian English Gentlemens Club

2007-10-01T22:03:00.001+02:00

In Store Gig bei Mint Music, Hannover.

Fotos: Barbara Mürdter

Website der Band.

Stars in Hannover

2007-09-20T19:04:00.000+02:00

Die Stars aus Kanada haben gestern ihre Europatour zum neuen Album "In Our Bedroom After the War" begonnen. Erster Gig der Tour war im Café Glocksee, Hannover. Die Band war nach eigenen Angaben völlig übermüdet - aber das Konzert war super. Eigentlich sollte es auch einen In Store-Gig bei Mint Music geben, der dann allerdings aufgrund des fertigen Zustands der Bandmitglieder ins Wasser fiel. Dafür hat Torquil Campbell privat da vorbei geschaut (und den Laden im Konzert angepriesen), Frau Millan hat sich telefonisch über die Plattenpreise beraten lassen.

Hier eine ausführliche Konzertkritik.

Hier ein paar Bilder vom Konzert:

Fotos: Barbara Mürdter

Marc Bolan - 30. Todestag

2007-08-28T20:11:00.001+02:00

Queen's Ride, Barnes, London. Hier verunglückte der Musiker Marc Bolan (T. Rex) vor 30 Jahren tödlich. Noch immer besuchen Fans sein Grab, das seit einigen Jahren von der T. Rex-Action Group(TAG) gepflegt wird. Am 16. September, Bolans 30. Todestag, werden hier mehrere hundert Fans auflaufen.

Fotos: Barbara Mürdter

Ein Radiobeitrag hier.

Ein Artikel dazu in der taz hier.

Marc Bolan
Glam Rock 1.0

Marc Bolan war Anfang der 70er mit T-Rex der erste Star des Glam Rock und hat die britische Independent-Szene nachhaltig geprägt. Ein Besuch an seinem Londoner Schrein. VON BARBARA MÜRDTER

Steigt man im Londoner Stadtteil Barnes aus der S-Bahn, hat man das Gefühl, in der Pampa gelandet zu sein. Nichts vom Trubel der Millionenstadt. Ein paar Schritte weiter, am Queen's Ride, ducken sich ein paar Häuser, die teurer sind als sie aussehen, im Wald. Vor der Brücke über die Gleise muss man genau Ausschau halten nach dem einzigen Plätzchen, das manche Touristen hier interessiert: Ein lädierter Baum, der voller vergilbter, in Plastikfolien gehüllter Bilder und Blumen hängt. Man huscht über die Straße und klettert über die rot-weiße Leitplanke. Dann steht man da, neben dem Baum und einem kleinen Schrein, der hier vor fünf Jahren errichtet wurde.

Er erinnert an einen der spektakulärsten Unfälle der Popmusikgeschichte: Am Morgen des 16. September 1977 war der gelbe Mini des Musikers Marc Bolan, gelenkt von dessen Geliebter Gloria Jones, von der Straße abgekommen, gegen einen Betonpfeiler geprallt und schließlich von einer Platane gestoppt worden. Gloria Jones kam mit einem Kieferbruch davon, Bolan war sofort tot. Der Platane ging es auch nicht so gut. Später war sie dann noch zusätzlich dem Hass der Fans ausgesetzt, die den Baum abhacken wollten, weil sie ihm die Schuld am Tod ihres Idols gaben. Auch Gloria Jones setzte sich aufgrund von Morddrohungen und Angst vor gerichtlichen Konsequenzen in die heimatliche USA ab.

Dieser Unfalltod kurz vor seinem 30. Geburtstag beendete die wilde Karriere des jüdischen Arbeitersohns Marc Feld aus London, dessen größter Wunsch es immer war, berühmt zu werden. Zunächst wurde der hübsche Bursche mit Sinn für schicke Kleidung ein "Face" in der Mod-Szene der frühen 60er Jahre. Für einen Sommer war sein Bild auf den Modezeitschriften der Stadt. 1965 nahm er eine Single auf, die er sogar in der beliebten Fernsehshow "Ready, Steady, Go" vorstellen durfte - ohne weitere Folgen. 1967 gründete er zusammen mit dem Perkussionisten Steve "Peregrin" Took die Band Tyrannosaurus Rex, spielte akustische psychedelische Musik und sang zumeist über Feen, Elfen und Hobbits.

"Marc gab den perfekten kleinen Hippie. Er trug kleine Westchen, sein Haar war lockig - er sah wie ein Zigeuner aus, trug zerrissene Klamotten, was damals sehr angesagt war. Er hatte seine Haare wachsen lassen. Ihm war sein Image sehr bewusst," erzählt sein Produzent Tony Visconti, der die Band und Bolan zu dieser Zeit kennenlernte und sie bis 1974 begleiten sollte. Das Zielpublikum der Tolkien- und Märchenfreunde war allerdings nach drei eingespielten Platten abgeschöpft, und die Hippieära ging 1970 sowieso ihrem Ende entgegen. Bolan begann mit der elektrischen Gitarre zu experimentieren und stockte die Band um Schlagzeug und Bass auf. Visconti beobachtete auch eine Veränderung in seinem Auftreten: "Er wurde in den Interviews aggressiver und forderte mehr Aufmerksamkeit für sich ein. Was allerdings noch fehlte, war der Hit."

Mit "Ride a White Swan" besann sich Bolan, der sich jahrelang an vertrackten Songs abgearbeitet hatte, auf den simplen Rock'n'Roll der 50er. Visconti packte ein Streicherquartett auf den Track, um ihn moderner klingen zu lassen. Fertig war der erste Erfolgssong der Band, die sich jetzt T. Rex nannte. Soundtüftler Visconti experimentierte damit, die Gitarrentracks mehrfach übereinander zu legen: "Heute klingt es vielleicht etwas dünn, weil Bands wie The Darkness fünfzehn Tracks übereinander packen. Aber damals war es das erste Mal, das man versuchte, so einen fetteren Sound zu erzeugen." Bolan schrieb Texte, die nicht immer Sinn machten - aber sie hatte schöne Refrains zum Mitsingen. In Variationen sollte das für die nächsten zwei Jahre als Strickmuster dienen. "Als wir ,Metal Guru' schrieben, hatten wir unseren Sound endgültig gefunden und wussten auch genau, was wir taten", meint Visconti über den vierten und letzten Nr. 1-Hit der Band von 1972: "Bolan war eine Hitmaschine."

"T.Rextasy" brach aus - mit ähnlichen Zügen wie die "Beatlemania". Die Kids konnten zur Musik von T.Rex tanzen, was seit Jahren nicht mehr möglich gewesen war, hatte man doch eher auf die Würdigung musikalischer Virtuosität Wert gelegt. Und sie hatten jemandem zum Anschmachten. Das taten Männlein wie Weiblein, denn Bolan hatte auch sein Image radikal gewandelt: Er betonte jetzt seine hohe Stimme und seine elfenhafte Figur, trug Damenschuhe, seidene Hosen und Glitzer auf den Wangen. Musik und Image lieferten die Blaupause für ein musikalisches Phänomen, was vor allem Europa in den frühen 70ern in Atem halten sollte: Glam-Rock.

David Bowie sagte Jahre später, Bolan sei derjenige gewesen, der die Tür für seine Interpretation des Glam Rock aufstoßen hätte: "Das Gute daran war aber, dass wir sahen, dass er es nicht ganz kapiert hatte. So eine Art Glam 1.0. Wir saßen schon längst in den Startlöchern mit den Versionen 1.01 und 1.02, während sich Marc noch mit Satin abkämpfte." Bald begann Bowie, Freund aber auch Konkurrent, Bolan zu überholen - mit der vollendeten Umarmung des postmodernen Space Age in Gestalt von Ziggy Stardust. Bolan hatte zwar als Glam Rocker immer mehr hergemacht als Slade und Garry Glitter, die aussahen wie Bauarbeiter in Drag oder ältliche Las-Vegas-Entertainer, aber so futuristisch, radikal und bizarr wie Bowie war er nie. Es ist immer etwas von seinem alten Hippie-Gestus an ihm kleben geblieben.

Visconti verließ T. Rex 1974. Er sah keinen Veränderungswillen mehr bei Bolan: "Er meinte: ,Lass uns noch so ein Album machen, für die Fans.' Aber ich sah an den Verkaufszahlen, dass wir nicht mehr so viele Fans hatten." Ein Jahr später rappelte sich der gefallene Star wieder etwas auf, als er erfuhr, dass er Vater wurde. 1977 feierte er mit T.Rex noch eine erfolgreiche Englandtour in großen Hallen. Als Vorband stand schon die nachfolgende Musikergeneration auf der Bühne: die Punkband The Damned.

Welchen nachhaltigen Eindruck Bolan hinterließ, lässt sich zum einen an der späten Anerkennung des einst belächelten Teenageridols durch die Musikwelt ablesen. Viele britische Punk- und Independent-Musiker, die in den frühen 70ern noch Teenager waren, beziehen sich auf Glam und speziell Bolan als prägenden Einfluss - auf seine sexuelle Ambivalenz, auf seinen antiautoritären Habitus, auf die Selbstverständlichkeit, mit der er ausdrückte: Jeder kann ein Star sein. Die Smiths ließen sich Mitte der 80er für ihren Song "Panic" von "Metal Guru" inspirieren. Siouxsie Sioux, die noch zu Bolans Lebzeiten "20th Century Boy" gecovert hatte, sagte vor kurzem, nach Elvis Presley gefragt: Beim Stichwort "30. Todestag" falle ihr erst einmal Marc Bolan ein.

Zudem lebt Glam als Genre bis heute weiter: The Darkness und The Ark schwelgen in der opulenten Glitzerästhetik ebenso wie unzählige kleinere Bands wie die New Yorker Semi Precious Weapons, die Visconti und der ehemalige T. Rex-PR-Mann B. P. Fallon unter ihre Fittiche genommen haben.

Nach dem Bolan verstorben war, lebte der Fan-Kult um ihn als erst richtig auf: Es gibt bis heute zahlreiche "Conventions" und "Bops", auf dem ihm im Kollektiv gehuldigt wird. "Sogar Leute aus Deutschland und Japan waren gekommen," erzählt Fee Warner über ihr erstes Fantreffen Ende der 70er. Seit sie mit 11 Jahren "Ride a White Swan" bei "Top of the Pops" gesehen hatte, ist Warner Fan. Als sich ihre Umfeld über ihre tiefe Trauer nach "Marcs" Tod lustig machten, beschloss sie, sich mit Gleichgesinnten zusammenzutun. Heute leitet Warner die "T. Rex Action Group" (TAG), einen der zahlreichen konkurrierende Fanclubs, die sich im Netz tummeln. Aus einem Erbe bezahlte sie die Bronzebüste von Bolan, die sie am Unfallort aufstellen ließ.

Am 16. September werden sich Hunderte Fans, alt und jung und zum Teil sogar aus Übersee eingereist, an der Bolan-Kultstelle am Queen's Ride drängeln. Mitglieder der TAG und verschiedene Gastmusiker werden den ganzen Tag Bolan-Weisen zum Besten geben. Die Nachbarschaft wird es gelassen sehen - sie ist die Jünger- Aufläufe seit 30 Jahren gewohnt.

Tegan and Sara

2007-08-22T18:55:00.002+02:00

Tegan Quin

Sara Quin

Das kanadische Zwillingspaar Tegan und Sara Quin sind mit ihrem jüngst erschienen fünften Album „The Con“ schon fast Veteraninnen der Musikszene. Dabei sind sie erst 1980 geboren. Mit 18 veröffentlichten sie ihr erstes, selbstfinaziertes Album, nachdem sie einen Musikwettbewerb gewonnen hatten. 2000 verhalf ihnen Neil Young zu einem Vertrag auf seinem Label Vapor Records. Und nahm sie mit auf Tour. Danach spielten sie als Support für Rufus Wainwright, Ryan Adams oder die Killers und Hot Hot Heat auch in Deutschland. Zu größerer Medienaufmerksamkeit kamen sie mit ihrem Vorgängeralbum "So Jealous", dessen erste Single "Walking With a Ghost" von den White Stripes gecovert wurde.

Jetzt ist das Schwesternpaar, das sich von Anfang an als Gegenbild zu Britney Spears sah, zum ersten Mal als Hauptact bei uns zu sehen. Aufgrund des großen Interesses mussten die Shows in Hamburg und Berlin schon in größere Clubs verlegt. Allerings waren die ursprünglich geplanten Clubs auch kaum größer als, nun ja, sagen wir zwei Handtücher.

Fans warten vor der ausverkauften Bush Hall in London

21.08.2007 Hamburg, Molotow
24.08.2007 Berlin, Zapata
25.08.2007 Köln, Studio 672
26.08.2007 München, Ampere

Interview (Ausschnitte)

Mit eurem vorhergehenden Album habt ihr zum ersten mal größere Aufmerksamkeit erregt. War es jetzt schwierig, das neue Album zu machen, so eine Art "Zweites-Album-Symptom"?

Es kann durchaus sein, dass es viele Leute, die uns erst mit dem letzten Album kennengelernt haben, das jetz als unserer zweites Album angesehen haben. Aber wir sind da rangegangen wie an die anderen Album zuvor auch. Ich habe keinen zusätzlichen Druck verspürt. Wenn überhaupt war ich eher gelassener, weil ich das Gefühl hatte, mehr Leute verstehen, was wir machen, dass wir einfach loslegen können und die Platte machen, die wir wollen, weil die Leute uns verstehen würden.

Du lebst in Toronto und Sara in Montréal. Wie tauscht ihr euch aus und schreibt eure Songs?

Selbst als wir noch in der gleichen Stadt gewohnt haben, haben wir nicht zusammen geschrieben. Wir schreiben und nehmen separat auf und schicken uns das dann gegenseitig zu.

Als ich zum Beispiel the con geschrieben habe habe ich das in 7 oder 8 Stunden aufgenommen und das Sara geschickt. Sie hat dann das Ganze noch editiert, zusätzliche Vocals und Gitarren aufgenommen und dann war der Song fertig. So etwa schreiben wir jetzt fast immer.

Ihr seit politisch engagiert und äußert euch in Interviews dezidiert zu politischen Dingen. Warum geht es in euren Texten ausschließlich um Beziehungen?

Zumindest in der westlichen Welt sind wir sicher mit solchen Sachen wie Umweltzerstörung und Versagen in der Politik beschäftigt. Aber wenn man ehrlich ist ist doch was uns letztendlich am meisten am Herzen liegt unsere Gesundheit und unsere Beziehungen. Dessen machen sich auch Sara und ich schuldig. Wenn es ums Schreiben geht, konzentrieren wir uns ganz egozentrisch auf unsere Gefühle von Zuneigung und Liebe – das ist der Platz in unserem Leben, wo wir das richtig ausleben können

Außerdem ist das, was wir machen, einfach auf die Bühne zu gehen als das was wir sind – Frauen im Rockgeschäft, und Lesben, die das nie versteckt haben – das ist schon ein gewaltiges Statement. Und ein Song wie i was married, der Song ist schon sehr direkt in dem er beschreibt, dass du diese wunderbare Verbindung zu einem anderen Menschen hast, den du liebst und dem du dein Leben widmest, und dir all diese Dinge klar machst, aber ein großer Teil der Welt nicht notwendigerweise damit einverstanden ist. Das ist schwer, wenn du jemanden so sehr liebst, dass du das nicht mehr kontrollieren kannst, dass diese Liebe einfach wie ein Magnet ist, etwas das passiert und die Leute denken, das ist deine *Entscheidung*, oder das sie denken was du machst ist gegen den Willen Gottes.“

Ihr repräsentiert auf der Bühne natürliches Selbstbewußtsein und Stärke. Viele junge Fans sehen euch als Rollenvorbild. Wie fühlt sich das für euch an?
Ich kann damit gut leben, ein role model zu sein. Sara und ich sind sehr vernünftig und wir arbeiten hart. Wir haben mit 17 die Oberschule abgeschlossen und haben unsere eigene Platte finanziert. Wir sind jetzt seit 10 Jahren dabei. Wir sind beide in Beziehungen und kümmern uns um unsere Familie. Wir machen keine Party. Der Alkohol hier im Backstage gehört der Vorband. Wir trinken nicht Backstage und sehr selten auf der Tour. Ich glaube wir sind gute Vorbilder. Unser Hauptziel im Leben ist es, gute Musik zu machen, ob das im Studio ist oder live. Wir sind sicher eine Band, an der man sich durchaus orientieren kann. Wir wissen was wir wollen und wir sind echt. Ich glaube, das man das merkt.

Was hebt euch von anderen Bands ab?
Es gibt einfach so viele Bands, auch richtig tolle, und da ist es schwierig. Viele klingen auch wie hundet andere. Sara und ich versuchen ungewöhnlich zu klingen, und es gibt nicht viele Frauen die wie wir klingen. Wir singen anders und habe eine sehr eigene Bühnenshow, aber daran haben wir auch 10 Jahre gearbeitet, um unseren eigenen Sound zu finden.

Könnt ihr von dem was ihr macht inzwischen leben? Zahlt euch Vapor genug Vorschüsse?
Die Plattenfirma zahlt uns nichts und wir mussten lange kämpfen. Wir touren zwei Drittel des Jahres und davon leben wir. Das ist bei Bands heute so. Vapor hat uns also nicht mit Geld geholfen, sondern damit unterstützt, das sie uns Zeit gegeben haben uns zu entwickeln, und das war viel mehr Wert als Geld. Sie haben uns fünf Platten für die Entwicklung zugestanden wo die meisten Bands heute eine einzige bekommen und wenn die nicht erfolgreich ist heißt es 'und Tschüss'. Vapor sagte, macht einfach weiter.

Audio:
Beitrag zu Tegan and Sara hören.

Jazzmatazz am 12.7.07 in der Faust, 60er-Jahre-Halle Hannover

2007-07-14T00:20:00.000+02:00

Fotos: Barbara Mürdter

AfroReggae aus Brasilien beim Festival Theaterformen in Hannover

2007-06-20T12:50:00.000+02:00

Webseite von AfroReggae
Webseite des Festivals Theaterformen

Schöne Fotos von AfroReggae zu Hause in Rio

Und ein Artikel dazu, den ich für die taz geschrieben habe.

Kultur als Waffe gegen Gewalt

Das brasilianische Kulturprojekt AfroReggae präsentiert im Rahmen des Hannoverschen Festivals "Theaterformen" einen Eindruck vom Leben in den Favelas. Die jungen Schauspieler und Musiker zeigen, dass es Alternativen zu einer Karriere als Drogendealer mit minimaler Lebenserwartung gibt

VON BARBARA MÜRDTER

Die Lebenserwartung eines Dealers in den Slums von Rio de Janeiro liegt zwischen 14 und 25 Jahren. Eine Realität, mit der Anderson Sà aufwuchs. Dass er mittlerweile fast dreißig ist, noch lebt, und sogar ein anerkanntes Mitglied seiner Gemeinde ist, ohne kriminell zu sein, hat er vor allem seinem Engagement in dem Kulturprojekt AfroReggae zu verdanken.

Sà wurde hineingeboren in ein Milieu, was zu seiner Teenagerzeit nur eine Karrierechance offenhielt für einen ambitionierten jungen Mann wie ihn: sich einem der Drogenkartelle in den Favelas anzuschließen. "Es wurde nichts für die Favelas getan, für Bildung oder Kultur. Es gab keinen öffentlichen Platz, kein Gesundheitszentrum. Die Leute waren arbeitslos, hatten nichts zu tun. Kriminalität wurde und wird als Zeitvertreib und als Einkommensquelle gesehen", sagt er.

Sàs Leben nahm eine 180-Grad-Wendung, nachdem er 1993 seinen Bruder bei einem der übelsten Racheakte der brasilianischen Polizei verlor. 21 unschuldige Favela-Bewohner waren wahllos getötet worden, weil Drogenbanden vier Polizisten ermordet hatten, die das Viertel terrorisierten. Sà hatte trotz seiner Wut das Gefühl, dass diese Spirale der Gewalt durchbrochen werden müsse - eine Botschaft, die er in sein Viertel tragen wollte. Mittel dazu sollte Musik und Kultur sein. Und Sà sah auch, dass die Veränderung von innen kommen musste, weil es von außen keine Hilfe geben würde.

Das Ereignis hatte auch andere aufgewühlt, und Sà fand Gleichgesinnte wie den Funk-DJ José Junior mit seinem Projekt AfroReggae. Sie versuchten, über die Identifikation mit Musik, Jugendliche von der Straße zu holen und eine Alternative zu einer kriminellen Karriere zu bieten. "AfroReggae hatte zunächst Reggae-Parties angeboten, um schwarze Kultur positiv darzustellen," erzählt Sà. "Als sie merkten, dass da ganz verschiedene Leute hinkamen, gaben sie eine kleine Zeitung heraus, die neben Musik auch soziale Themen behandelte." Jugendliche wurden in eigene Musikprojekte eingebunden und die Aktivisten sorgten dafür, dass sie eine Ausbildung bekamen - als Musiker, Tänzer und Sänger, aber auch als Grafiker oder Manager.

Dabei waren sie auf Spenden und das, was sie im Abfall finden konnten, angewiesen. So wurden aus ausgedienten Plastikfässern und einem Seil Trommeln gebaut, weil es keine Instrumente gab. In ihren Texten sprachen sie Dinge an, die keiner sonst zu sagen wagte: Sie prangerten Polizei-Brutalität an, zeigten deren Verstrickung in den Drogenhandel auf und boten auch den nicht weniger korrupten und grausamen Bandenbossen in den Vierteln verbal die Stirn.

AfroReggae verdienten sich schnell mit ihrer Musik und ihren sozialen Projekten Respekt. Auch wenn die Drogenbosse noch immer erfolgreicher waren in der Rekrutierung junger Mitglieder, wuchs das kleine Projekt konstant und erregte jenseits der Favela-Grenzen Aufsehen. "Vigário Geral wurde in meiner Teenagerzeit als die gewalttätigste Favela in ganz Brasilien gesehen - alles war immer nur negativ. Jetzt gab es in der Öffentlichkeit auch positive Bilder", sagt Sà.

Mittlerweile gibt es 73 Projekte unter dem AfroReggae-Dach: Musik-, Zirkus und Tanzgruppen. Sogar Workshops zu Webdesign und Internetradio werden in den vier Zentren in den Favelas angeboten. In Vigário Geral gilt es nicht mehr als allein selig machendes Ziel, Drogendealer zu werden. AfroReggae hat hunderttausende Anhänger in Brasilien und bekommt Fördergelder aus US-amerikanischen Stiftungen. Die Hauptband hat einen internationalen Plattenvertrag und tourt seit neun Jahren in der ganzen Welt.

Sà, der bei aller Ernsthaftigkeit oft ein verschmitztes Lächeln zeigt, ist heute einer der Stars von AfroReggae. Er war sogar Hauptfigur in einem viel beachteten Dokumentarfilm über die Geschichte des Musikprojekts und das Leben in den Favelas: "Favela Rising". Er sieht seine Aufgabe mittlerweile vor allem als Multiplikator: "Ich nehme Einladungen an, Vorträge zu halten und empfange Gäste bei uns um ihnen zu zeigen, wie unser Projekt funktioniert." Er versucht, Jugendliche von einem Weg in die Kriminalität abzubringen und genießt eine Anerkennung in seinem Viertel, wie sie früher nur die Dealer bekamen mit ihrem Geld und den Motorrädern - und aufgrund der Angst, die sie mit ihrer skrupellosen Brutalität verbreiteten.

In seiner prominenten Funktion steht Sà noch mehr als die anderen Favela-Bewohner konstant in Gefahr, Opfer eines Mordanschlags zu werden. Vor wenigen Jahren hatte es eine Drogenbande aus einem anderen Viertel auf ihn abgesehen, obwohl AfroReggae neutral ist. Einige Stunden war er in Lebensgefahr. Er entkam nur, weil seine Kollegen zu ihm hielten. Ihr Mut beeindruckte die Drogenbosse, und sie mochten die Musik des Projekts.

Wie durch ein Wunder überlebte Sà zudem einen schweren Surfunfall, bei dem er sich einen Halswirbel verletzte. Eine Operation hätte niemand bezahlen können. Die Gemeinde fürchteten nicht nur um das Leben des beliebten Musikers, sondern auch um die Existenz des AfroReggae-Projekts. Ein sozial engagierter Arzt behandelte ihn schließlich umsonst, prognostizierte aber eine dauerhafte Lähmung. Zehn Monate später stand Sà wieder auf der Bühne.

Ihren Optimismus, auch schwere und scheinbar aussichtslose Lebenslagen meistern zu können, wollen AfroReggae weitervermitteln. Auch in Hannover wollen sie nicht einfach ihre Show spielen. Dem künstlerischen Leiters des Festivals Theaterformen, Stefan Schmidtke, lag ebenfalls daran, dass von den Veranstaltungen etwas in der Stadt bleibe und weitergetragen werde. Er bat die Musiker, einen Workshop mit hannoverschen Jugendlichen zu betreiben, der von Jugendleitern vor Ort weitergeführt werden soll.

Die Jugendlichen werden sogar mit auf der Bühne des Schauspielhauses stehen - und auch ein hannoversches Polizeimusikcorps. Was zunächst seltsam anmutet, ist ein Detail der Arbeit in Rio: Das gemeinsame Musizieren soll zu einer Annäherung zwischen Polizisten und der Bevölkerung führen, Vertrauen schaffen.

In ihrer Show erzählen die Musiker zu Hip-Hop-Musik ihre eigene Geschichte. Das aktuelle Stück heißt: "Es gibt keinen Grund für Krieg." Die Botschaft ist universell. "Das haben wir genau so vor einem Jahr in London uraufgeführt, und vor vier Tagen in Sao Paolo, wie wir es jetzt in Hannover zeigen", erzählt Sà. Zum besseren Verständnis gibt es Untertitel in der jeweiligen Landessprache.

17 Musiker aus Brasilien werden auf der Bühne stehen. Einer jedoch fehlt: José Junior, Initiator von AfroReggae und Regisseur des Stückes, musste in Rio bleiben. Er wird als Vermittler in gerade mit neuer Gewalt ausgebrochenen Kämpfen zwischen der Polizei und den Drogenkartellen gebraucht. Auch wenn nicht plötzlich alles eitel Sonnenschein ist, sieht Anderson Sà AfroReggae als Erfolg: "Die Mordraten sind noch immer sehr hoch. Aber es gibt es inzwischen mehr Regierungsinitiativen in den Favelas. Wir sind ein Vorbild für andere Gemeinden mit ähnlichen Problemen geworden. Wir bekommen ständig Anfragen."

AfroReggae ist zu sehen im Rahmen des Festivals Theaterformen am 19. und 20. Juni im Schauspielhaus Hannover. Mehr Informationen unter www.theaterformen.de

Patti Smith Jukebox

2007-06-12T00:18:00.000+02:00

Patti Smith, die große alte Dame des Rock, ist mit neuem Album auf Deutschland-Tour

Mit ihrem aktuellen Album “Twelve” erfüllte sich Smith selbst einen Wunsch, den sie jahrzehntelang gehegt hatte. Sie wollte ein Coveralbum mit ihren Lieblingssongs aufnehmen. Eine Ikone covert Ikonen, von Jimmy Hendrix bis Nirvana - so erscheint es für uns Hörer. Doch für Smith sind es Zeitgenossen, die sie verehrte, und von denen sie oft gleichermaßen verehrt wurde. Die meisten hat sie in der brodelnden Musikszene ihrer Heimatstadt New York persönlich kennengelernt. Als junge Poetin, noch ohne musikalische Ambitionen, saß sie auf den Treppen des Electric Ladyland-Studios, in dem sie jetzt das neue Album aufgenommen hat, und plauderte mit Jimmy Hendrix. Bob Dylans Song “Like a Rolling Stone” hatte sie in den 60ern auf die Spur gebracht, ihre Weltauffassung geprägt. Dylan sollte sie ebenso wie den von ihr verehrten Keith Richards bald kennenlernen - als einen ihrer Bewunderer.

Patti Smith mit ihrer Band 2007

Eine von den New Yorker Punk-Jungs

Das eindrucksvollste Foto von Patti Smith wird für immer das Cover ihres Debütalbums “Horses” (1975) bleiben. Hier hat ihr Freund und Seelenbruder, der schwule New Yorker Fotokünstler Robert Mapplethorpe, die junge Smith als wunderschönen androgynen Tomboy festgehalten. Smith war “one of the boys”, eine aus der New Yorker Punk-Szene, die aussah und sich bewegte wie die Jungs. Und doch wurde sie über die Jahre zu einer Ikone und zum vielzitierten Rollenvorbild für Mädchen und Frauen, die Rock machen wollten - oder einfach andere Idole suchten als das althergebrachte Püppchen und andere Ideale hatten als ein Hausfrauendasein. Doch Smith wehrte sich gegen diese Aneignung. Auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs, der nach ihrer Kolloboration mit Bruce Springsteen, “Because the Night”, kam, ging sie Ende der 70er mit ihrem Mann aufs Land, um eine Familie zu gründen.

Das berühmte Cover von Patti Smiths Debütalbum “Horses”, aufgenommen von ihrem Fotografen-Freund Robert Mapplethorpe

1988 erschien dann Patti Smiths Comeback mit “Dream of Life”. Danach folgte wieder eine lange Pause. Mehrere ihrer engen Freunde und Verwandten starben in diesen Jahren - zuerst Robert Mapplethorpe, dann ihr Ehemann und ihr Bruder. Doch keine Geringeren als Michael Stipe von R.E.M. und Beat-Poet Allen Ginsberg drängten Smith 1996, wieder aufzunehmen und auf Tour zu gehen. Im April 2007 erschien ihr zehntes Album, auf dem sie vor allem auf ihre goldenen Jahre zurückblickte, die späten 60er und die 70er.

2002 erschien das Doppelalbum “Land”, das Patti Smiths Werk von 1975 bis heute dokumentiert

Entspannte Interpretation anspruchsvoller Klassiker

Die Reaktion auf das Albums “Twelve” war zunächst eher verhalten. Da waren die Smith-Fans, die sowieso alles gut finden, was ihre Heldin macht, und da waren die Abschätzigen, die eine reine Cover-Platte nur “verzeihen”, wenn sie die ultimativen Interpretationen enthalten. Richtig ist die Kritik: Keine der Interpretationen übertrifft die Originale, die vielfach von ihren Autoren schon unschlagbar genial interpretiert worden waren. Wenige der Aufnahmen sind bemerkenswert anders gestaltet, sieht man vielleicht von Nirvanas “Smells like Teen Spirit” ab, das durch die Verwendung akustischer Instrumente fast Traditional-Charakter gewinnt und zum Schluss sogar experimentell wird. Doch die meisten der Stücke sind mehr oder weniger konventionell eingespielt und bleiben nahe am Original.

Ein Band mit Fotos, auf denen ihr Jugendfreund Frank Stefanko Patti Smiths Werdegang porträtiert, erschien Anfang des Jahres unter dem Titel “Patti Smith - American Artist”

Smith konzentriert sich auf den Song an sich, macht ihn sich zu eigen, und zeigt seine Stärken und manchmal auch Schwächen auf. So legt das schwache “Soul Kitchen” – im Original von den Doors - gnadenlos bloß, dass Jim Morrisson doch nicht der Songschreiber und Lyriker vor dem Herren war, für den er bis heute oft gehalten wird. Wohingegen nicht zufällig Dylans “Changing of the Guards” das Highlight des Albums ist. Sein Status als einer der größten Songschreiber des Jahrhunderts gilt als unumstritten. Nach Smiths Aussage hat ihr das Aufnehmen dieses Songs am meisten Spaß gemacht. Und auch in der strengen Dylan-Fangemeinde wurde Smiths Fassung abgesegnet, sogar der Meister selbst soll Gefallen an ihrer Interpretation gefunden haben. Überhaupt Dylan: Selten hat man den alten Grummel so entspannt, milde und offensichtlich angetan gesehen wie auf Fotos mit der jungen Patti Smith Mitte der 70er Jahre. 1996 half er Smith bei ihrer Comebacktour. Und offensichtlich hält seine Bewunderung an.

Ein typisches Smith-Album

Hart betrachtet, ist “Changing of the Guards” allerdings der einzig wirklich bemerkenswerte Song auf dem Album – und selbst der reicht nicht an Cat Powers legendäres Cover des Stones-Klassikers “Satisfaction” heran. Aber bei Patti Smith geht es um etwas anderes: Lange schon hat sie den Ikonenstatus als große alte Dame des Rock - jenseits der üblichen Bewertungskriterien. Der Reiz ist, wie sich hier eine Ikone die Songs anderer Ikonen zueigen macht. Mit der Zeit entfalten die altersmilden Interpretationen, die keine auffälligen Experimente zulassen und scheinbaren Gleichmut ausstrahlen, ihren Reiz. Und je öfter man sich das Album anhört, desto stärker wird es zu einem typischen Smith-Album, auf dem sie die ganzen Jungs-Songs letztendlich zu einem homogenen Singer-Songwriter-Album zusammengewoben hat.

Das Cover von Smiths aktuellem Album “Twelve” zeigt ein Tambourin, das sie vor 35 Jahren geschenkt bekam

Einen wichtigen Beitrag zu “Twelve” hat Smiths Band geleistet, die die Stimme der Sängerin im Mittelpunkt lässt und sie einfühlsam begleitet. Neben ihren langjährigen Mitmusikern - Lenny Kaye, Tony Shanahan und Jay Dee Daugherty - bringen sich Gastmusiker wie Flea von den Red Hot Chilli Peppers und Tom Verlaine von Television mit ein. Und Smith schöpft nicht nur aus ihrer lang vertrauten Musikerfamilie - auch ihre eigenen Söhne Jesse und Jackson Smith sind mit von der Partie. Schließlich kommen auch das Politische und die Wut nicht zu kurz, auch wenn diese Haltung nicht mehr so wild herausgeschrien wird, wie vor Jahren. Smith begründete die Auswahl des Songs “Smells Like Teen Spirit” damit, dass sie Cobains Wut und Verzweiflung nachvollziehen konnte, schon als sie den Song zum ersten mal hörte. Und sie berichtet, dass sie zum ersten mal des Textes und der Aktualität des Songs “Gimme Shelter” in seiner vollen Bedeutung bewusst wurde, als sie ihn jetzt selbst sang: “War children is just a shot away“ (Der Krieg, Leute, ist nur einen Schuß weit entfernt).

Live zu sehen ist Patty Smith unter anderem morgen, am Dienstag, den 12. Juni, in Hamburg in der Großen Freiheit, Eintritt: 27 Euro

(Foto: Pressefoto)

Patti Smiths Homepage
Foto: Pressefoto